Quando Lorena Feijóo subiu ao palco em Jerome Robbins ' Na noite no centro da cidade de Nova York em outubro passado, era como se um cordão invisível conectasse seu corpo a cada instrumento da orquestra. Seja por estudar piano como uma jovem dançarina em Cuba ou por sua habilidade intrínseca de incorporar sons, o San Francisco Ballet principal exibe aquela qualidade intangível que torna a dança um prazer de assistir: a musicalidade.
Então, o que exatamente é musicalidade? É como um dançarino expressa a música em seu corpo. “Musicalidade é entender a música em um nível técnico e, em seguida, abandonar todo esse conhecimento para que você possa se sentar profundamente na música”, diz o coreógrafo e regular Wade Robson “So You Think You Can Dance”. “É dançar dentro da música, ao invés de flutuar em cima dela. '
Um senso de musicalidade bem desenvolvido separa os profissionais dos amadores. Também torna você agradável de assistir - e é uma maneira mais gratificante de dançar! Aqui estão algumas maneiras de aprimorar seu ouvido e fazer suas próprias escolhas musicais e movimentos inspirados.
Mastering Musicality
Coloque um dançarino musical e um dançarino não musical lado a lado e você verá por que é tão importante estar em sintonia com o ritmo, a melodia e o clima de uma música. Dançarinos sem uma conexão aguda com a música podem parecer rígidos ou desconectados - muitas vezes, eles são difíceis de assistir. “Eles não conseguem transmitir a emoção que as notas musicais transmitem ', diz Feijóo. “Um dançarino forte, mas não musical, é como uma pintura sem cor. Prefiro assistir a uma dançarina musical com menos extensão e pés não tão bonitos. '
Os dançarinos musicais, por outro lado, nunca desconsideram a música para encaixar mais truques. “Você pode ver o esforço de uma dançarina não musical - muitas vezes eles são movidos por passos ', diz a professora de balé de Nova York Deborah Wingert. “Dançarinos musicais não se viram até pararem. Eles giram até que tenham que passar para o próximo ponto da música. Os dançarinos musicais nunca ficam tão envolvidos nos passos a ponto de ignorar a música. '
É importante entender que a musicalidade vem em muitas formas e não existe uma maneira certa ou errada de interpretar uma partitura. Alguns coreógrafos criam danças inteiras antes de escolher a música, enquanto outros podem começar com uma peça musical antes de criar um único passo. Como dançarino, você deve estar pronto para qualquer abordagem que eles usem.
Por exemplo, Wingert lembra que quando ela dançou para o New York City Ballet, George Balanchine e o coreógrafo residente Jerome Robbins tinham sensibilidades musicais muito diferentes. “Balanchine queria que estivéssemos no topo da música. Antecipamos a música, então, quando estávamos no ar, atingimos o auge da nota no auge do salto ', explica ela. “Jerome Robbins queria que seus dançarinos estivessem sob a música, um pouco mais ponderados, ao invés de no ritmo. '
Para começar a trabalhar em sua musicalidade, 'faça seu trabalho de barra de uma forma musicalmente precisa',
diz a diretora do Oregon Ballet Theatre, Anne Mueller. “Começa no momento em que você começa a dançar. Não deslize pela música em combinações tendu, por exemplo. Certificar-se de que você está claro em sua execução lhe dará mais opções, porque você será capaz de tirar proveito do espaço estático musicalidade pode ser tanto quando você não está se movendo como quando você está. '
Phrasing Philosophies
Se você já discutiu musicalidade com um professor ou outros dançarinos, provavelmente já ouviu falar muito sobre “fraseado”. Mas você sabe o que é isso? Fraseado musical é a forma como a música é organizada em medidas. Onde estão as sincopações? As cadências? Os sotaques? O fraseado coreográfico é semelhante - é como as etapas são organizadas em uma frase musical. Quais etapas atingem a batida e quais se movem com o ritmo? Um passo deve ser executado rapidamente para que outro possa ser alongado?
Às vezes, os coreógrafos especificam como seus passos devem ser expressos, mas, quando for permitido, experimentar o fraseado pode fornecer várias maneiras de dançar uma peça. Na verdade, quanto melhor você conhece uma partitura ou música, mais você será capaz de brincar com a dinâmica e o tempo das etapas - em vez de sempre dançar em uma batida quadrada, o que pode fazer você parecer repetitivo e entediante. Talvez você possa segurar um développé por um momento extra ou alterar o ritmo de seu movimento para inserir outro battu. “Um dançarino deve ter um excelente senso de ritmo para prender a atenção do público”, diz Feijóo. “Sem sair do ritmo, descubra onde você pode se equilibrar por mais tempo ou encaixar mais uma volta. É assim que você traduz o clima que a música lhe dá nas etapas. '
Para ver como isso funciona, assista a duas bailarinas dançando no mesmo papel clássico (como Kitri em Don Quixote ou Odette / Odile em Lago de cisnes ) Mesmo que a coreografia e a música sejam idênticas, cada dançarina terá sua própria maneira única de encaixar as duas.
Afiando sua orelha
Dançarinos treinados para tocar instrumentos - como Robson e Feijóo, que estudaram piano - têm uma vantagem inicial no desenvolvimento da sensibilidade musical. Mas isso não significa que você está condenado se não souber a diferença entre uma clave de sol e uma clave de sol. O coreógrafo de NYC Stephen Petronio, por exemplo, não lê música e nunca aprendeu a tocar um instrumento, mas é conhecido por criar trabalhos intensamente musicais. Desde que começou a fazer dança, há 25 anos, Petronio coreografou para compositores como Stravinsky e colaborou com artistas como Rufus Wainwright, Lou Reed e, mais recentemente, Nico Muhly. “Posso saber nos primeiros 15 segundos de ouvir uma peça se consigo me mover para ela ', explica Petronio. “Meus braços ficam de pé e tenho que dançar. '
Então, como ele aprimorou sua musicalidade se não teve nenhum treinamento formal? Com um pouco de intuição natural e muita prática. Petronio passa horas ouvindo muitos gêneros musicais. Ele até opta por coreografar músicas que o desafiam. Siga seu exemplo e procure pontuações complexas - não se deixe intimidar. A música espinhosa e sincopada o forçará a ouvir com mais atenção, exercitando os músculos da musicalidade do seu cérebro.
Considere estudar formalmente um instrumento cujo som o comove. Se isso está além do seu orçamento, vá a shows. Muitas cidades oferecem apresentações gratuitas em parques públicos. Confira o calendário de eventos da sua cidade e aproveite a cena musical local. Você também deve dar uma olhada em suas listas de reprodução. Você gravita em torno de um gênero? Para expandir seus horizontes, tente explorar outros tipos de música, especialmente jazz e clássico.
Aprender a diferenciar instrumentos o ajudará a traduzir o que você ouve em movimento, o que, por sua vez, dará à sua dança tonalidade e textura. Se você não sabe a diferença entre um clarinete e um oboé, comece com obras musicais como a de Sergei Prokofiev Pedro e o Lobo ou de Benjamin Britten Guia do jovem para a orquestra , ambos quebram cada instrumento em uma sinfonia para que você possa aprender a distinguir os sons. Outra forma de aprimorar o ouvido é ouvir gravações da mesma partitura com maestros diferentes e identificar as diferenças entre eles.
Robson acredita neste exercício, que aprendeu nos dias em que dançava com Michael Jackson: Encontre uma música de que goste e ouça como faria normalmente. “Basta absorver”, diz Robson. Em seguida, toque novamente, mas ouça apenas a bateria. Bloqueie todos os outros sons e siga o tambor por toda a peça. Isso muda? Ele permanece o mesmo? Toque a música pela terceira vez, focalizando outro instrumento, como o piano. Repita este exercício até ter seguido todos os instrumentos da música.
“Você pode ter que ouvir 20 vezes, dependendo da complexidade da música ', diz Robson. “A última vez que você ouvir, pegue a música inteira novamente. Você poderá ouvir os instrumentos individualmente e a melodia como um todo. E você poderá fazer um estilo livre e dançar em ritmos que nunca ouviu antes. Isso mudará sua vida como dançarina. '
Contando com Contagens
Quando você está quebrando uma peça musical, você se pega contando ou apenas ouvindo o fluxo geral da música? Os dançarinos muitas vezes têm fortes sentimentos sobre a contagem e nem sempre concordam. Às vezes, a contagem é necessária, especialmente no trabalho corporativo ou ao trabalhar com pontuações complicadas. Mas fixar-se em contagens pode fazer sua dança parecer mecânica.
Alguns coreógrafos podem nem sequer contar. Se você está lutando para não contar, procure outras pistas musicais para ajudar a guiá-lo. Por exemplo, uma curva termina no auge de um crescendo? A coreografia segue a linha do baixo em vez da melodia?
Quanto mais confortável você ficar com a música, mais fácil será não contar, então tenha como objetivo aprender a música bem o suficiente para parar de contar. “Você pode precisar contar alguns balés no início, mas depois que estiver seguro, você não precisará mais disso ', diz Feijóo. “E isso vai te dar liberdade para interpretar, porque você não está apenas seguindo a batida ou a melodia. '
Muito de uma coisa boa?
Embora seja bom ter suas próprias idéias sobre música e movimento, esteja preparado para deixar sua estética de lado. Em um teste ou ao aprender um novo trabalho, todo profissional deve ser capaz de ouvir e interpretar a música exatamente da maneira que o coreógrafo deseja.
Imagine se o conjunto em Chicago escolheram dançar de acordo com suas convicções pessoais. Que tal o corpo em Lago de cisnes ? Haveria anarquia musical! Mesmo se você for um solista, espera-se que você execute uma versão específica da musicalidade de um coreógrafo. É preciso ter um ouvido tão sensível para realizar a visão de outra pessoa quanto para escolher sua própria interpretação da música. “Às vezes espelho exatamente o movimento e a música, às vezes os ignoro”, diz Petronio. “Às vezes eu uso isso como um contraponto. ' Seu trabalho é estar pronto para tudo.
Também é importante estar ciente de quando e como seu rosto expressa a emoção na música. Alguns coreógrafos vão querer que você use seu rosto, outros vão querer que você deixe seu corpo fazer todos os movimentos. Wingert se lembra de ter lutado com essa ideia quando ela estava dançando no Balanchine's Serenata com o New York City Ballet. “É uma música tão bonita que você quer incorporar seu drama”, diz ela. “Tive de trabalhar para não enfatizar demais o drama em meu rosto e deixar a dança incorporar a música '- porque era assim que Balanchine queria.
Então, como a musicalidade afetará seu movimento? Nuance. Você será capaz de ouvir as sutilezas de uma partitura e interpretá-las com seu corpo, o que o tornará mais interessante de assistir. Também é mais divertido. Como diz Feijóo, “ficaria muito mal se tivesse que dançar sem som. Dançar é fazer música com o corpo. '